Mother Russia – Autoría: Lauren Yee – Elenco: Stephen Boyer, Adam Chandler-Berat, Rebecca Naomi Jones, David Turner – Escenografía: Dots – Vestuario: Sophia Choi – Iluminación: Stacey Derosier – Sonido: Mikhail Fiksel – Dirección: Teddy Bergman
Desde el primer momento, Mother Russia deja claro que apuesta por una frontalidad deliberada, sin rodeos. Incluso antes de ingresar a la sala, la entrada —diseñada como un billete que dice “Ticket to St. Petersburg”— instala la idea de viaje: no solo geográfico, sino temporal, ideológico. El dispositivo escénico refuerza esa premisa. Una persiana metálica (o tal vez una “cortina de hierro”) con grafitis evoca el colapso del orden soviético, mientras una publicidad en ruso de la marca de café Folgers introduce la irrupción del capitalismo. Pero la elección de ese lema (“The best part of wakin’ up is Folgers in your cup” – ¡Lo mejor del día es despertar con Folgers en tu taza!) no es inocente; resignifica ese “despertar”, no como un hecho histórico o político, sino como un acto de consumismo individual. No se trata de un despertar de conciencia, sino de un despertar literal en el gesto cotidiano, de tomar esa taza de café que cada mañana nos prepara para adentrarnos en la maquinaria hiperproductivista. Desde ese inicio se establece también una contraposición visual: frente a la austeridad de las ropas invernales y de colores apagados que visten a Evgeny, Dmitri aparece en escena con un look claramente noventoso: jeans, zapatillas y ropa deportiva de colores estridentes.
Una escenografía que construye sentido
Cuando la persiana se levanta, el escenario revela una suerte de despensa saturada de marcas occidentales: chocolates M&M’s, cigarrillos L&M, kétchup Heinz y las infaltables botellas de Coca-Cola. Dimitri le revela a Evgeny que decidió emprender su negocio tras verse interpelado por un cartel que decía “Just do it” (el indiscutible lema de la marca deportiva Nike). Sin embargo, ese almacén —que en apariencia no es más que un enclave estadounidense en suelo ruso— es engañoso: el espectador advertirá que todos esos bienes de consumo fungible son, en gran medida, una farsa. Si por un lado constituyen una fachada para encubrir la verdadera misión que tiene asignada Dimitri, por otro ponen en evidencia el consumo como mera ilusión.
Actuaciones en estado de precisión
El elenco sostiene con solidez este entramado. Stephen Boyer se destaca por un histrionismo muy bien calibrado en la caracterización de Dmitri: efusivo, por momentos desbordado, pero siempre preciso en su ejecución. Adam Chandler-Berat construye un Evgeny complejo, que transita desde una actitud contenida, casi timorata, hacia un quiebre donde emerge desinhibido y expansivo; ese giro se materializa también en el vestuario, que pasa de una estética austera a la adopción de conjuntos de colores flúor. Finalmente, David Turner, envuelto en paños rojos como Mother Russia, sobresale por su dominio del ritmo, su acento ruso, y un manejo del humor sostenido por una gran modulación y cadencia. En particular, la dinámica escénica entre Boyer y Chandler-Berat funciona con alta precisión: hay una química muy bien lograda que le aporta veracidad a la obra, generando una energía entre ambos que sostiene y potencia los vínculos en escena.
La iluminación alterna entre una luz blanca, cruda, de impronta soviética, y destellos nocturnos más propios del universo del consumo, que introducen la lógica de la economía de mercado. A nivel escenográfico, la obra resuelve con gran eficacia un desafío complejo: múltiples espacios (la casa de Evgeny, el entorno de Dmitri, escenas en un autobús, entre otros) se despliegan dentro de una misma estructura que muta constantemente. Esa “caja” escénica —casi un contenedor— logra una economía de recursos muy efectiva sin sacrificar claridad ni riqueza espacial, permite desplazamientos fluidos y sostiene el gran dinamismo de la obra.
El artificio como lenguaje
Las transiciones musicales, articuladas a partir de Pyotr Ilyich Tchaikovsky, añaden una capa adicional, particularmente cuando son reinterpretadas en clave electrónica. En ese cruce, emerge una figura de Mother Russia deliberadamente extemporánea que, con un pulso muy marcado, construye uno de los grandes momentos de Mother Russia. Conviene no revelar más: su potencia reside en la tensión y en la sorpresa. En esa misma línea, la pieza construye otros picos de intensidad a partir de decisiones escénicas inesperadas, en los que un ícono del consumo global se transforma en un recurso cargado de provocación, que remite —sin subrayarlo— a prácticas emparentadas con el capitalismo como la hipersexualización y la canibalización.
El guión articula con inteligencia tensiones constantes entre capitalismo y comunismo —redistribución versus filantropía, el mundo de las ideas versus la mundanidad— que se reflejan tanto en lo estructural como en lo más íntimo: Dimitri aparece despedazado tras enterarse de que fue abandonado por su novia, quien decidió partir hacia Estados Unidos para estudiar en la Universidad de Stanford. En paralelo, las constantes referencias a unos vouchers —sujetos a circuitos de tráfico, robo y ocultamiento— revelan cómo la codicia puede atravesar la condición humana independientemente del régimen que la rija.
Capas culturales y resonancias históricas
El humor, lejos de ser inmediato, exige contexto. Referencias a Chejov, Tchaikovsky o figuras históricas rusas operan en múltiples niveles, con momentos como la mención a Gorbachev por parte de Mother Russia, a quien se refiere de forma entrañable como “Gorbie”, un guiño que condensa el tono irreverente de la pieza. Como nota de color, el propio Signature Theatre fue fundado en 1991, el mismo año de la disolución de la Unión Soviética: una coincidencia que dialoga, incluso de forma involuntaria, con el universo simbólico de la obra.
Mother Russia no es perfecta —por momentos su apuesta conceptual roza lo evidente—, pero es una obra aguda, con un sólido trabajo actoral y una identidad clara. En un panorama donde muchas producciones evitan incomodar, esta apuesta resulta especialmente valiosa. Porque aquí el consumo no es una promesa: es una puesta en escena. Martín Quiroga Barrera Oro
Se dio hasta el 29 de marzo de 2026
Signature Theatre
480 W 42nd St, New York, NY
Estados Unidos
Sitio Web Signature Theatre
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